by Jurriaan Benschop

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Nog niet zo lang geleden was schilderkunst uit Berlijn synoniem met Duitse schilderkunst, waarbij grote gebaren en verhalen niet werden geschuwd. Maar in Berlijn laat een nieuwe generatie schilders zich zien, van zeer diverse komaf. Ze beoefent schilderkunst vol vertrouwen, maar op bescheiden formaat. Kunstbeeld bekijkt vier schilders die het afgelopen jaar opvielen.

GRENSGEBIEDEN

Michael Markwick (1974) groeide op in Michigan als zoon van Nederlandse immigranten en genoot zijn opleiding als schilder aan Indiana University. In zijn schilderijen en houtskooltekeningen varieert hij op natuurlijke motieven. Meestel gaat het om bladeren, bomen en struiken waaruit vervolgens abstracte vormen groeien. Natuur staat in zijn oeuvre meer voor groei, dynamiek en veranderlijkheid, dan voor een vastomlijnd landschapbeeld. De kunstenaar heeft grensgebieden tussen stad en natuur altijd interessant gevonden, daar waar natuur ook verstoord wordt en daar waar de energie van de mens zichzelf terugvindt in het landschap.

 Afgelopen zomer werd Markwick uitgenodigd om voor een Berlijns dagblad, B.Z., een werk te maken voor een speciale editie op 11 september, die geheel was gewijd aan de herdenking van de aanslagen in New York. De grote houtskooltekening die hij maakte, Shelter genaamd, verwijst niet expliciet naar de aanslagen, maar balt de explosiviteit en het drama samen die met die dag verbonden zijn. Het onderwerp hoeft, blijkt hier, niet letterlijk in beeld te worden gebracht om toch de kern van de zaak te raken. En ook hier gebruikt hij een vocabulaire dat aan de natuur is ontleend. Markwick beoefent een vorm van schilderkunst die deels verwant is aan het abstract expressionisme, waarin het gebaar en de daad van het schilderen een inhoud op zich vormen. Uniek en vaak tegen de haren instrijkend is zijn palet, waarin recentelijk veel geel, oranje en zwart voorkomen naast landschappelijke kleuren als blauw en groen. Een onderliggend thema is vergankelijkheid. Dat is in zijn behandeling van de natuur te zien, en in figuren die op plekken in het werk opduiken, zoals levende skeletten of een glimp van een gezicht tussen de bomen.

De kunstenaar kwam in 2002 naar Nederland en vestigde zich in Dordrecht. Vanuit het CBK kreeg hij de mogelijkheid een half jaar in Berlijn te werken en inmiddels werkt hij voornamelijk in de Duitse hoofdstad. In 2010 had hij een opvallende tentoonstelling in het Atelierhof Kreuzberg, in een tentoonstellingsruimte die is verbonden aan het ateliercomplex, waar ook een aantal Nederlandse kunstenaars werken. Daar presenteerde hij een serie groot formaat houtskooltekeningen, onder de titel ‘The Periphery Rising’. Het ging hier, net als in de schilderijen, niet alleen om de voorstelling, maar ook om de kracht daarachter, om de agressie, weifeling of andere energie die in het handschrift ligt besloten.

“New” Painting from Berlin, published in:

Kunstbeeld (Netherlands)

#12-2011/ #1-2012

pages 56-61

Exhibition at Autocenter, Berlin, from June 25 through July 10, 2010

BLICK OHNE ENDE (A VIEW WITHOUT END)
Dutch artists in Berlin

BLICK OHNE ENDE features the works of six Dutch artists based in Berlin:

Tjebbe Beekman (1972)
Ronald de Bloeme (1971)
Arjan van Helmond (1971)
Maarten Janssen (1965)
Michael Markwick (1974)
Lidwien van de Ven (1963)

The show is curated by Jurriaan Benschop.

Opening
Friday, June 25, 2010, 8 p.m.

While Dutch masters of the 17th century were famous for their realism, contemporary art exhibits a wide range of approaches. An important strength of Dutch art still lies in painting and the painterly view.

A number of the participating artists have a strongly developed eye for abstraction and clarity, in the tradition of Mondriaan. Other participants choose classic genres like interiors and landscapes, and shed a modern light on it. In general, for the Dutch, the desire towards the spiritual or the sublime derives its prestige from a sober and earthly mentality.

What connects the work of different generations is the importance of the visual. Moreover, other motives, conceptual or not, play a role, such as the interest in image forming, artistic authorship and questioning visual clichés.

Berlin
The artists exhibited here have all left their homeland and are part of the tradition of Dutch artists who have crossed borders to develop themselves artistically. The current generation even seems to experience going abroad as a necessity.

Berlin’s international context offers artists new perspectives and forces them to reflect on their positions. On the one hand, the Dutch background of these artists gains prestige by their stay in Berlin, and on the other hand, it is actually downplayed due to this fact.

Friday July 9: Book Launch, Performance, Film, Artist Talks
On July 9, a catalogue will be presented in which the artists are introduced by curator Jurriaan Benschop. The launch of the catalogue takes place on a special evening with artist talks, the screening of the documentary Dutch Light and a performance by the Dutch poet K. Michel. Programme details will soon be published on the website www.niederlaender-in-berlin.de

Location
Autocenter, Eldenaerstrasse 34A.
Opening hours: Thurs-Fri-Sat from 4 p.m. to 6 p.m.
www.autocenterart.de

Curator
Since 2006 Jurriaan Benschop has been working as an author and curator in Berlin. In 2009, Dutch publishing company Athenaeum released his book  ‘Wonen tussen de anderen’ (‘Living among the others’), which portrays Berlin as an art city.

Website
www.niederlaender-in-berlin.de

Contact
info@niederlaender-in-berlin.de

Ausstellung im Autocenter Berlin, vom 25. Juni bis zum 10. Juli 2010

BLICK OHNE ENDE
Niederländer in Berlin

Die Ausstellung zeigt Werke von sechs niederländischen Künstlern, die in Berlin arbeiten.  Die Niederlande sind seit jeher als Land der Malerei bekannt. Die Meister des 17. Jahrhunderts erlangten weltweit Berühmtheit und sind auch in deutschen Museen gut vertreten, zum
Beispiel in der Berliner Gemäldegalerie. Das Bild der niederländischen Gegenwartskunst ist weniger vollständig. Die Ausstellung füllt hier eine Leerstelle und zeigt, dass sich im „malerischen Blick“ noch immer eine wichtige Inspirationsquelle für die niederländische Kunst verbirgt.

Blick ohne Ende führt das Werk von sechs niederländischen Künstlern zusammen, die in Berlin arbeiten und international auf sich aufmerksam machen: Tjebbe Beekman (1972), Ronald de Bloeme (1971), Arjan van Helmond (1971), Maarten Janssen (1965), Michael Markwick (1974) und Lidwien van de Ven (1963).

Ein Blick, der kein Ende nimmt

Während die Meister des 17. Jahrhunderts aufgrund ihres Realismus gerühmt werden, bedient sich die Gegenwartskunst einer Vielzahl von Ansätzen. Was das Werk von unterschiedlichen Künstlern und Generationen verbindet, ist das Interesse für das Visuelle und die Erscheinungsform von Dingen. Hierin offenbart sich ein Blick, der kein Ende nimmt und der in der Oberfläche das Wesentliche findet. Danach und daneben spielen andere (konzeptuelle) Motive eine Rolle, etwa die Frage nach der Bildung einer Vorstellung, nach künstlerischer Urheberschaft und danach, welche visuellen Klischees uns zur Gewohnheit
geworden sind.

Für einige der teilnehmenden Künstler gilt, dass ihr Blick für Abstraktion und Klarheit in der Tradition Mondrians stark entwickelt ist. Sie denken in reduzierten, geometrischen Flächen. Andere Teilnehmer wählen klassische Genreszenen wie ein Interieur oder eine Landschaft und lassen darin ein zeitgenössisches Licht erscheinen. Das Verlangen nach spirituellen oder erhabenen Inhalten nimmt ausgehend von einer nüchternen und erdigen Mentalität Gestalt an. Freiheit und Fantasie werden groß geschrieben, gleichzeitig wollen die Niederländer jedoch „mit beiden Beinen fest auf dem Boden stehen“.

Berlin
Gemeinsam ist den in der Ausstellung zu sehenden Künstlern, dass sie alle ihre niederländische Heimat verlassen haben. Sie fügen sich damit in eine Tradition von Künstlern, die die Grenzen der Niederlande überschritten haben, um sich künstlerisch weiter entfalten zu können. Die heutige Generation scheint den Schritt ins Ausland sogar als Notwendigkeit zu
erfahren. Der internationale Kontext Berlins bietet frische Perspektiven und zwingt zu einer erneuten Reflexion des eigenen Werkes. So gewinnt die niederländische Identität dieser Künstler durch den Aufenthalt in Berlin einerseits an Kontur, andererseits wird sie gerade dadurch relativiert.

Publikation und Rahmenprogramm
Am 9. Juli findet ein Themenabend mit Film, Vortrag und KünstlergespraÅNchen statt, an dem auch der die Ausstellung begleitende Katalog präsentiert wird. Zunächst wird der Dokumentarfilm Dutch Light zu sehen sein, worin Künstler und Wissenschaftler sich dem Mythos des besonderen holländischen Lichtes annähern. Im Anschluss daran trägt der Dichter K. Michel eine Auswahl neuer Gedichte vor. Die teilnehmenden Künstler sprechen darüber, wo sie ihre Werke im größeren Zusammenhang der niederländischen, deutschen und internationalen Kunst verorten. Außerdem wird der Frage nachgegangen, was die Stadt Berlin für sie und die Entwicklung ihrer OEuvres bedeutet. Die KünstlergespraÅNche werden
moderiert von Heinz Stahlhut (Leiter der Sammlung Bildende Kunst an der Berlinischen Galerie) und Jurriaan Benschop (Kurator Blick ohne Ende).

Ort
Autocenter, Eldenaerstraße 34 a, Berlin,
Öffnungszeiten: Do, Fr, Sa von 16 bis 18 Uhr.
Eröffnung
Freitag, 25. Juni 2010, 20 Uhr
Weitere Informationen / Pressebilder
www.niederlaender-in-berlin.de
info@niederlaender-in-berlin.de

Kurator der Ausstellung

Jurriaan Benschop arbeitet seit 2006 als Schriftsteller und Ausstellungsmacher in Berlin. Er publizierte im Jahr 2009 in den Niederlanden das Buch „Wonen tussen de anderen“, worin er Berlin als Kunststadt porträtiert.

www.autocenterart.de

nederlands versie

“I always need to start with a landscape,” I once heard a writer say when asked, in an interview, how his novels took shape. First comes a spatial image, and within that the characters subsequently emerge as the story unfolds. In the work of visual artist Michael Markwick, a similar kind of thing takes place. He, too, seems to need the landscape as a means to generate something else: in his case, not a narrative or a character, but a drama in terms of form, which does show human characteristics though. The large charcoal drawings that he produced in 2009 show landscapes. The question that arises on looking at them is whether ‘landscape’ can actually be regarded as the subject being dealt with by the artist, or if it serves rather as a setting for other matters.

Take, for instance, the gesture with which these drawings have been made: the curves charged with energy, the physical effort that preceded the work and which now remains in the charcoal. See the play of lines as something that becomes independent of the landscape, takes its own course, resembles a cloverleaf of roads or an industrial obstacle—as something that clashes with and does not serve the depiction of the woods or countryside, but violates it. All of that belongs to the content of these works and can sooner be called abstract or formal rather than landscape-oriented. There are crash points, places where forms collide with each other, but also tranquil areas, like the oasis of circles where movement comes to a standstill. When the works are seen along side each other, they become images in which a great deal gets tumbled about, where change with a capital C takes place—be it constructively or destructively. Contortion, eruption, transformation.

 ”Apocalyptic,” the painter has called his work at times. That particular perspective does hold true. Look at the dark sky that hangs ominously over the field like tent canvas; the sense of open wilderness turns into oppressiveness. In Trench we see pollard trees lining either side of a trench that draws the eye into the depths. Branches protrude outward, like rebellious arms imploring the heavens. But these are not people protesting; these are branches and trees in a tense landscape. Here man has assumed the guise of nature, has become the tree and leads the existence of branches. And this is how many drawings are, as well as paintings made by the artist in recent years. Their figuration is whimsical and ambivalent. Among the trees we catch a glimpse of a person, a face or a pair of eyes emerging in the bark. And then it vanishes again, like a ghost: a latent figure flitting about, yet having no substance.

The character of these drawings is complex, ranging from the hectic and menacing to the delicate and seductive. It’s interesting to wonder what is being controlled and conceived and what is actually unintentional, unconscious or coincidental in terms of its figuration—and corresponding ‘content’. The artist no doubt works on the basis of ideas as to how composition and balance should look. What conditions should be met by a landscape. His handwriting also reflects a certain interest in the style of the old masters. But cropping up through that is something which eludes control and consciousness: areas that come as a gift to the artist while he works and which take shape as a ‘second voice’ in the work’s fervor. And that’s precisely where something essential occurs in terms of the content. The drawings could be seen as junctions of forces that are situated in landscape. A face appears where, formally speaking, only trees have been drawn. Form is about to change its guise. The landscape is never merely landscape.

Jurriaan Benschop

translation: Beth O’Brien

On February 26-28, 2010 and on various dates in March 2010 Noordkaap presents the group exhibition Schwarzwald in and around the Energiehuis building, Noordendijk 148, Dordrecht

Guesturator: Arno Coenen

Artists: Abner Preis (USA), Alexander Krone (Denmark), CHAOMETRIC, Arno Coenen, Dragan Striskovic (Croatia), Gwen Stok, Hans van Bentem, Martyn F. Overweel, Iris Roskam, Luuk Bode, Marinus de Ruiter, Martin C. de Waal, Michael Markwick (USA/NL)

Above:  Blackened Earth:  Charcoal on Paper/ Dyptic – 7 Meters x 2 Meters ( 23  x 6.5 feet ) 2010

saturday/ sunday 6 and 7th of march: 17 – 21pMsaturday/ sunday 13 and 14 march 14-20 pm
and film screenings from 20:30 till 22pm

Opening night : Friday February 26 from 19.00 until late. Featuring performances by opera singer Martina Prins, Kid Goesting (electro/metal), Transformer Di Roboter (electro) and the metal bands Onheil (Dordrecht) and Signs of Darkness (Limburg). In cooperation with the Popcentrale Dordrecht venue.

Welcome to the elder ruins again
The wind whispers beside the deep forest
Darkness will show us the way
(Mayhem – De Mysteriis Dom Sathanas, 1994)

Schwarzwald is a collaborative artwork in the form of a dark forest. It represents primal human urges through painting, sculpture, video, photography, collage, performance, storytelling, opera, electro and heavy metal.

In European culture and art the forest is an emotionally charged subject; it can stand for fear, danger, strength and beauty at the same time. Author Elias Canetti connected the symbolic idealization of the forest to the rise of national socialism. In the feature film Antichrist (2009) by Lars Von Trier the main character regards the forest, and consequently nature, as a destructive force.

It’s striking how in times of crisis people are attracted to symbols of nature; in 1930s Germany the forest was widely used as a simple, universal symbol to appeal to all people. Currently in The Netherlands the sea (or water) is used as a symbol to connect the nation, not only in pop music and popular films, but also in the campaigns of successful populist political parties.

By appropriating symbols for propaganda these symbols become unambiguous in their meaning, with the unwanted effect of becoming suspect. The artists in the Schwarzwald exhibition demonstrate that a symbol, in this case the forest, can be used in many contradictory ways and by doing so they deflate the symbol of its univocal appearance.

The international artists contributing to Schwarzwald are fascinated by the European perspective on the forest. However, they tend to expose the forest as a creative source and an unpredictable, polymorphic phenomenon. They refer to denounced art forms like heavy metal, True Norwegian Black Metal, gothic art, tattoo art, Wagnerian opera, Eastern European folk art, decoration, woodcutting, kitsch, camp, fairytales and children’s stories.

The nature of the works incorporated in Schwarzwald is not a moralising one. It rather is in line with horror cinema; the effect is alternately frightening and humorous, with the intent to put the senses to a test.

Schwarzwald takes the shape of a festival; the emphasis lies on the opening weekend, in which Noordkaap collaborates with Popcentrale Dordrecht and cultural centre Energiehuis. After the weekend there will be incidental events alongside the exhibition.

Metal Heart III
Schwarzwald is a continuation of the Metal Heart project by artist and curator Arno Coenen (1972). Recently Coenen organised two group exhibitions entitled Metal Heart, in art space Planet Art and at the alternative art fair Kunstvlaai in 2008. With the help of likeminded artists Coenen expressed his fascination for heavy metal, the subcultural phenomenon known for its extremely loud and dynamic rock music.

In his adolescent years Coenen was a heavy metal fan. After his art education Coenen discovered that many aspects of heavy metal corresponded with his artistic vision. Heavy metal can be regarded as a multidisciplinary art form, in which loud and dynamic rock music is combined with slogan-like lyrics and powerful visuals. The exaggeration, magnification, the grand gesture, the provocative character and the shock effect are aspects of heavy metal that can be recognized in Coenen’s visual strategy as well.

Not unlike many post-modern art forms, heavy metal is full of paradoxes that are interesting from an artistic and conceptual point of view. Heavy metal sounds extremely violent and antisocial, while the behaviour among fans is mostly warm and friendly. Heavy metal arose from grass roots fan culture, but is very commercial at the same time. Heavy metal sounds recognizable, but is often full of influences from all kinds of cultures and musical styles (see documentaries like Heavy Metal in Baghdad (2007), about the Iraqi metal scene, and Global Metal (2008), about metal scenes all over the world).

On the visual side heavy metal is full of strange juxtapositions as well. At first sight the typical attire of metal bands (leather, spikes, chains) looks like an expression of macho culture. Most fans who dress up in this fashion do not seem to be aware of its origins. It has in fact emerged from the S&M gay scene, which is apparent from interviews with singer Rob Halford of the early metal band Judas Priest, who has pioneered this style of clothing. Like Halford, Norwegian metal singer Gaahl has kept his homosexuality hidden for a long time.

Noordkaap is interested in the continuation of the Metal Heart concept for several reasons. Like heavy metal, Dordrecht’s local working class culture can appear off-putting and antisocial at first glance. A closer look reveals unique rituals and manners that have their own tradition, which stems from the Dordrecht’s history as a port and a tough blue-collar town. The city also has a strong and visible church tradition. The visual language of heavy metal has baroque aspects and often refers to biblical themes. The cult surrounding heavy metal has fanatical, religious dimensions, wherein fans persevere in their ‘faith’, even in times when their style does not appeal to a large audience.

With a new chapter of Metal Heart, Noordkaap presents an event that is accessible to diverse audiences, from art aficionados to metal fans, youth interested in subcultures, local residents and other curious people.

http://www.derschwarzwald.eu/


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Mondriaan Foundation

Popcentrale Dordrecht

Center of Fine Arts Dordrecht

Gemeente Dordrecht, sector MO

Black Widow Rotterdam

Subbacultcha

Berlin Michael Markwicks Bilderserie “Quiet Apocalypse”, die der Künstler anlässlich seines sechsmonatigen Sti- pendienaufenthaltes in der Kunstfabrik am Flutgraben geschaffen hat, stellt Kollisionen zwischen der ur- banen Lebenswelt und außerirdischen Geschehnissen dar. Die Arbeiten greifen die Farben und Energien der Berliner Metropole auf und präsentieren Landschaften von sich gewaltsam verschiebenden Realitäten. Seine großformatigen Gemälde und kleineren mixed-media-Zeichnungen zeigen Astronauten, welche die Erde in Besitz nehmen, brennende Autos und Zelte sowie eine Vielzahl anderer apokalyptischer Symbole, die ein neues Zeitalter der Angst zum Ausdruck bringen. Die Parameter des menschlichen Körpers und die sozialen Symbole der Sicherheit brechen zusammen und gehen in einer Atmosphäre der existentiellen Bedrohung des Selbst und der Gemeinschaft auf. Markwicks mythologisch anmutende Bildfindungen verschmelzen Einflüsse der deutschen und nieder- ländischen Malerei des frühen 16. Jahrhunderts (u.a. Pieter Brueghels Höllendarstellungen) mit der grellen Farbigkeit und dem grafischen Charakter des webdesign und zeitgenössischen urbanen Elementen wie z.B. Leuchtfarben aus dem Straßenbau oder dem Graffiti. Emaillelacke und Ölfarben sind auf Leinwände bzw. auf Papier gestrichen oder gesprüht, wobei die Farbtexturen manchmal einen hautähnlichen Charakter an-nehmen. Zelte brennen, Körper sind auf dampfende Gefäße reduziert, explodierende Formen sprühen leuchtende Funken – alles irdische Sein löst sich durch Einwirkung äußerer Kräfte auf. Was für den Betrachter sichtbar bleibt, ist ein hoch energetischer Transformationsprozess, der aufgrund der leuchtend-grellen Farbigkeit der Ölgemälde und der dynamischen Strichführung der Bleistiftzeichnungen eine unter die Haut gehende Intensität entfaltet.

Curatorial Team: Martin Pfahler, Dr. Margit im Schlaa, Heidi Sill, Wolfgang Schlegel, Monika Seeberger